Artes aplicadas a la escultura

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10 de septiembre de 2016 Frederic Godward A lo largo de la historia, especialmente en el mundo occidental, las artes siempre han existido bajo una especie de jerarquía: la pintura histórica estaba por encima del retrato, el retrato por encima de la naturaleza muerta, la poesía estaba por encima de la prosa, la ópera por encima de la canción popular. Las artes aplicadas, por muy necesarias y presentes que hayan estado, siempre han tenido que ocupar el proverbial segundo plano frente a sus homólogas creativas más “importantes”. Sólo a finales del siglo XIX, con el auge del movimiento Arts & crafts y el Art nouveau, las artes aplicadas pasaron a primer plano de la atención pública.

En el sentido más amplio de la palabra, las artes aplicadas son aquellas en las que el diseño artístico se aplica a objetos utilitarios de uso cotidiano (a diferencia de las Bellas Artes, que no tienen otra función que la de estimular estética e intelectualmente al espectador). [El diseño industrial, el diseño gráfico, el diseño de moda, el diseño de interiores y las artes decorativas pertenecen al ámbito de las artes aplicadas[2]. Estas artes, que ofrecen un sinfín de oportunidades para la originalidad, enriquecen nuestra vida cotidiana con su inmensa influencia y pueden hacer que hasta el utensilio más mundano de nuestro hogar sea un placer para la vista.

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La escultura es una forma de expresión artística que consiste en modelar, esculpir o tallar piedra, madera u otros materiales. La escultura se considera una de las 7 artes, junto con la música, la pintura y la danza, y los escultores pueden utilizarla para expresarse mediante el uso del volumen y el espacio. Hoy vamos a hablar del arte de la escultura con más detalle.

Los materiales utilizados en la escultura pueden ir desde la arcilla hasta la piedra, pasando por la madera, el mármol, la cera, el yeso y varios tipos de metal. Cada vez se incorporan más tipos de técnicas a esta forma de arte a medida que se desarrollan nuevos materiales, como diferentes tipos de resinas o plásticos que permiten a la escultura ampliar sus horizontes artísticos.

La escultura se ha utilizado para crear obras de arte originales y fascinantes y también para recrear y representar figuras, personajes, objetos, personas y animales. Estas figuras pueden ser una representación totalmente realista o pueden ser totalmente abstractas, representando la visión del artista sobre un aspecto concreto.

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La fundición consiste en hacer un molde y verter en él un material líquido, como metal fundido, plástico, caucho o fibra de vidrio. Un molde es una forma hecha mediante este proceso. Muchas esculturas se producen modelando una forma (normalmente en arcilla, cera o yeso). A continuación, se utiliza para crear un molde para fundir. Un molde puede fundirse más de una vez, lo que permite a los artistas crear ediciones de una obra de arte.

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El modelado es un proceso aditivo. Esto significa que el artista trabaja con un material blando para construir una forma (en lugar de raspar el material como en la talla). Además, a diferencia de la talla, los materiales blandos, como la arcilla y la cera, pueden modificarse y reelaborarse. El modelado de una maqueta puede ser a menudo el primer paso en la creación de una escultura acabada.

En el siglo XX surgió una nueva forma de hacer escultura con las construcciones cubistas de Picasso. Se trataba de naturalezas muertas hechas con materiales de desecho (encontrados) pegados. La escultura construida en diversas formas se convirtió en una corriente importante del arte moderno, incluso en movimientos como el constructivismo o técnicas como el ensamblaje. Los artistas han utilizado técnicas como doblar, plegar, coser, soldar, atar, tejer y equilibrar para construir esculturas a partir de una gran variedad de materiales y objetos encontrados.

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El arte suele considerarse un dominio arquetípico de la investigación sobre la creatividad (Schlewitt-Haynes et al., 2002; Stanko-Kaczmarek, 2012), complementado por la investigación sobre la creatividad científica, musical, orientada al diseño y literaria (Glaveanu et al., 2013). Aunque se puede observar cierto solapamiento entre los distintos campos creativos, cada uno de ellos tiene sus propias especificidades (Botella y Lubart, 2015). El propósito de esta sección es fusionar algunos modelos existentes del proceso creativo y del proceso artístico para examinar lo que podría ser el proceso creativo artístico. Obviamente, esta sección no puede ser exhaustiva, pero ofrece una primera consideración de las numerosas e importantes etapas del proceso creativo artístico.

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Antes de la segunda etapa principal descrita por Wallas (1926), algunos autores añadieron etapas complementarias después de la preparación. Basándose en una revisión previa de la literatura, Botella et al. (2011) proponen una etapa de concentración (“me estoy concentrando en el trabajo que tengo que hacer”) en la que es posible centrar la atención del creador en aquellas soluciones que se consideran adecuadas, y rechazar las demás soluciones (Carson, 1999). Osborn (1953/1963) añadió el análisis, cuando el creador da un paso atrás para identificar las relaciones entre las ideas y la importancia de cada una de ellas; y la ideación, cuando el individuo desarrolla ideas alternativas. Busse y Mansfield (1980) indicaron también una etapa que requiere un esfuerzo para resolver el problema.