Escultura cubista de picasso

Escultura cubista de picasso

Esculturas cubistas

Alexander Archipenko, 1912, La Vie Familiale (Vida familiar). Expuesta en el Salón de Otoño de París de 1912 y en el Armory Show de Nueva York, Chicago y Boston de 1913. La escultura original (de unos dos metros de altura) fue destruida accidentalmente.

La escultura cubista se desarrolló paralelamente a la pintura cubista, comenzando en París hacia 1909 con su fase protocubista, y evolucionando hasta principios de la década de 1920. Al igual que la pintura cubista, la escultura cubista tiene sus raíces en la reducción de los objetos pintados por Paul Cézanne en planos y sólidos geométricos; cubos, esferas, cilindros y conos. La presentación de fragmentos y facetas de los objetos que podían interpretarse visualmente de diferentes maneras tenía el efecto de “revelar la estructura” del objeto. La escultura cubista es esencialmente la representación dinámica de objetos tridimensionales en el lenguaje de la geometría no euclidiana mediante el cambio de puntos de vista del volumen o la masa en términos de superficies esféricas, planas e hiperbólicas.

En el análisis histórico de la mayoría de los movimientos modernos, como el cubismo, se ha tendido a sugerir que la escultura iba por detrás de la pintura. Es común encontrar escritos sobre escultores individuales dentro del movimiento cubista, mientras que los escritos sobre la escultura cubista se basan en la pintura, ofreciendo a la escultura nada más que un papel de apoyo[1].

Escultura de picasso

Pablo Picasso es quizás más conocido por sus pinturas, pero sus esculturas se encuentran entre las obras de arte más radicales y que más cambian el pensamiento de la época moderna. Aunque la obra bidimensional del artista se expuso con frecuencia durante su vida, la primera exposición completa de la escultura de Picasso se montó en 1966, cuando el artista tenía ochenta y cinco años. Esta instalación ofrece un amplio panorama de la carrera del artista como creador de objetos tridimensionales a través de selecciones de la colección del Museo de Arte Moderno. La solidez de la colección del Museo en este ámbito se debe, en parte, al apoyo que recibió del propio artista, que donó al Museo en 1971 su Guitarra de construcción en chapa (1914), que se expone aquí.

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Picasso recurrió a la escultura con especial rigor en varios momentos clave de su carrera, utilizando el medio como campo de pruebas para ideas que catalizarían cambios cruciales en su práctica en general. La escultura Cabeza de mujer (Fernande) (1909), también expuesta, ayudó a Picasso a conceptualizar la ruptura del volumen sólido en masas cambiantes que sugerían perspectivas variables, y sirvió de base para el desarrollo del cubismo. En gran parte de su obra escultórica posterior, Picasso abandonó el arte tradicional del modelado en favor del ensamblaje y la construcción. Picasso introdujo materiales no artísticos en su obra, incorporando radicalmente objetos cotidianos a su escultura, de la misma manera que utilizó materiales impresos encontrados en sus famosas obras de collage. La transformación de objeto banal a elemento escultórico nunca es completa, y gran parte del gran ingenio visual de los objetos que se ven aquí proviene del juego entre estos dos papeles.

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Picasso, escultura para guitarra

Entre 1907 y 1917, Pablo Picasso fue pionero del movimiento cubista, un estilo revolucionario de arte moderno que Picasso formó en respuesta a la rápida evolución del mundo moderno. En colaboración con su amigo y colega Georges Braque,

Picasso desafió las formas convencionales y realistas del arte mediante el establecimiento del cubismo. Quería desarrollar una nueva forma de ver que reflejara la era moderna, y el cubismo es la forma en que logró este objetivo.

Picasso no creía que el arte debiera copiar la naturaleza. No se sentía obligado a permanecer atado a las técnicas artísticas más tradicionales de la perspectiva, el modelado y el escorzo, y sentía el objeto bidimensional. Picasso quería subrayar la diferencia entre un cuadro y la realidad.El cubismo implica diferentes formas de ver, o percibir, el mundo que nos rodea.    Picasso creía en el concepto de relatividad: tenía en cuenta tanto sus observaciones como sus recuerdos al crear una imagen cubista. Creía que no vemos un objeto desde un solo ángulo o perspectiva, sino desde muchos ángulos seleccionados por la vista y el movimiento. Como resultado de esta creencia, el cubismo se convirtió en una cuestión de cómo ver un objeto o una figura en lugar de lo que el artista estaba mirando.

Cubismo

El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que revolucionó la pintura y la escultura europeas e inspiró movimientos afines en la música, la literatura y la arquitectura. En las obras de arte cubistas, los objetos se analizan, se descomponen y se vuelven a ensamblar de forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde un único punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar el tema en un contexto mayor.[1] El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX.[2][3] El término se utiliza ampliamente en asociación con una amplia variedad de arte producido en París (Montmartre y Montparnasse) o cerca de París (Puteaux) durante la década de 1910 y a lo largo de la década de 1920.

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El movimiento fue impulsado por Pablo Picasso y Georges Braque, y a él se sumaron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger[4] Una de las principales influencias que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne. [5] En el Salón de Otoño de 1904 se celebró una retrospectiva de los cuadros de Cézanne, y en los Salones de Otoño de 1905 y 1906 se expusieron obras actuales, a las que siguieron dos retrospectivas conmemorativas tras su muerte en 1907[6].