Escultura del barroco español

Baldaquino de san pedro

El Barroco español introdujo un realismo visual similar al del resto de Europa, con pinceladas fluidas y sin contornos visibles, a menudo sombrío o lúgubre. España había librado y perdido guerras con los Países Bajos e Inglaterra, agotando sus finanzas. La Inquisición de la iglesia católica influyó en los artistas y en el estilo religioso. Los artistas españoles eran maestros de la sencillez y pintaban con colores terrosos, negándose a pintar en el estilo ostentoso del barroco italiano utilizando los símbolos alegóricos fluyentes de la religión católica. Diego Velázquez (1599-1660) fue el pintor español más importante del Barroco. Velázquez fue un artista notable a una edad temprana, creando obras maestras técnicas cuando era un adolescente. A los 18 años ya era considerado un maestro de la pintura y trabajó como pintor en la corte del rey de España durante más de 30 años.

Hacia 1650, Velázquez viajó a Italia y pintó el Retrato del Papa Inocencio X (9.16); muchos historiadores consideran que es uno de los retratos más elegantes jamás pintados. El brillo de la capa de seda roja genera sutiles reflejos de color, creando un punto focal en el cuadro. Velázquez incorporó un efecto dramático al utilizar el rojo en una variedad de formas a lo largo de la mayor parte del cuadro. Las ropas de verano de lino blanco producen un contraste y resaltan la dignidad del Papa en su trono cuando está a punto de levantarse y entregarnos el billete en su mano izquierda. Los retratos, por lo general, se pintan para retratar las buenas cualidades de una persona, sin embargo, Velázquez siempre pintó lo que veía, representando a las personas tal y como eran. El retrato del Papa Inocencio X inició un estilo distintivo de pintura en la corte formal, gente corriente expresada de forma factual, colocada en poses naturales.

Francisco de zurbarán

La escultura española del Barroco se consideró durante mucho tiempo llamativa y secundaria frente a las pinturas de la misma época realizadas por célebres artistas como Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán. Tanto las esculturas como las pinturas abrazaban el patetismo en el arte de temática religiosa, con el llanto abierto de María, el sufrimiento de Jesús y el tormento de los santos. Recientemente, el Museo Metropolitano de Arte adquirió dos estatuas del siglo XVII de Pedro de Mena, el maestro de esta emotiva escultura, y las mejillas sonrosadas y llenas de lágrimas de la «Mater Dolorosa» y el cuerpo ensangrentado del «Ecce Homo» se exponen ahora en las galerías de Pinturas Europeas.

Pedro de Mena vivió entre 1628 y 1688, y la agonía era su especialidad. A diferencia de las épocas anteriores de escultores en un sistema gremial, él controlaba cada aspecto de su arte, pintando ropas que se tallaban por separado para cubrir las figuras religiosas. Utilizaba dientes de marfil y ojos de cristal con pestañas de pelo real para infundir inmediatez y realismo a las esculturas, al tiempo que las mantenía teatrales con sus gestos. María y Jesús fueron temas habituales, y experimentó con los extremos de la emoción, como una «Virgen de la Soledad» de 1660-70 que está abatida y resignada, mientras que otra «Mater Dolorosa» vuelve los ojos hacia arriba, con la boca abierta, con una lágrima caída hasta la clavícula. Del mismo modo, interpretó el martirio de Jesús con varios niveles de lesión; uno tiene la cara tan magullada que sólo puede abrir un ojo. También dotó a otros santos católicos de la misma intensidad de emoción, como el cadáver de San Francisco de pie en su tumba en éxtasis de 1663, o una escultura de 1680 de San Acisclo degollado, expuesta en la Hispanic Society de Manhattan.

Peter paul rubens

La escultura barroca se asocia al movimiento cultural del Barroco en la Europa del siglo XVII. En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirían una nueva importancia, y había un movimiento y una energía dinámicos de las formas humanas: giraban en torno a un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca solía tener múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del alejamiento del relieve del Renacimiento hacia la escultura creada en redondo. Por ejemplo, las fuentes elaboradas, como la Fontana dei Quattro Fiumi de Bernini (Roma, 1651) o las de los jardines de Versalles, eran una especialidad del Barroco.

Una gran parte de la escultura barroca añadía elementos extraesculturales; por ejemplo, iluminación oculta, fuentes de agua o fusión de escultura y arquitectura que creaba una experiencia transformadora para el espectador . Los artistas se veían a sí mismos trabajando en la tradición clásica y admiraban la escultura helenística y posteriormente la romana.

La muerte de la virgen

A lo largo del siglo XVII, el arte español estuvo generalmente aislado del resto del mundo. Sin embargo, con la llegada de la dinastía borbónica en el siglo XVIII, muchos artistas extranjeros acudieron a Madrid para decorar los nuevos palacios reales. Así, Madrid se convirtió en un centro de arte barroco. Fue también en esta época cuando España empezó a relacionarse más con otras culturas y sus tradiciones artísticas. La demanda de arte decorativo aumentó, con encargos de casas prominentes, familias reales e iglesias monumentales. En particular, los retablos de las iglesias estaban muy decorados con columnas, esculturas y relieves, para crear una sensación de Gesamtkunstwerk, u obra de arte total.    El escultor Juan Alonso Villabrille y Ron es conocido por sus representaciones muy realistas de santos en agonía.    Este estilo, conocido como la crueldad del martirio, es representativo de los movimientos artísticos comunes que se dan en toda España. Sus esculturas representan una versión más extrema de la forma tradicional de los mascarones de proa católicos.