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La drapería de pliegues húmedos

Entre las estilizaciones que más han influido en los diseñadores de moda se encuentra el drapeado húmedo, término utilizado por los historiadores del arte para describir la tela que parece adherirse al cuerpo en animados pliegues mientras deja ver los contornos de la forma que hay debajo (Victoria de Samotracia, Museo del Louvre, París).

Policleto, también deletreado Polycleitus o Polykleitos, (florecido c. 450-415 a.C.), escultor griego de la escuela de Árgos, conocido por sus magistrales esculturas en bronce de jóvenes atletas; fue también uno de los más importantes esteticistas de la historia del arte.

Arte helenístico y clásico La diferencia entre el arte helenístico y el clásico radica en el estilo y la transición de la escultura. En el periodo helenístico se observan las emociones, el movimiento de las figuras, mientras que en el periodo clásico se centra más en las figuras realistas perfectas, las esculturas son estáticas.

El término “estilo fidiano” utilizado para describir las esculturas del Partenón no es más que una etiqueta genérica; sin duda, intervinieron un gran número de maestros, ya que el friso y los dos frontones se ejecutaron en menos de diez años (c. 440-432 a.C.). Aunque de dudosa exactitud, se justifica por su conveniencia.

Escultura húmeda

Arte helenísticoDe izquierda a derecha: la Venus de Milo, descubierta en la isla griega de Milos, 130-100 a.C., Louvre la Victoria Alada de Samotracia, de la isla de Samotracia, 200-190 a.C., Louvre Altar de Pérgamo, Museo de Pérgamo, Berlín.Hades raptando a Perséfone, fresco en la tumba real de Vergina, Macedonia, Grecia, c. 340 a.C.

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El término helenístico se refiere a la expansión de la influencia griega y a la difusión de sus ideas tras la muerte de Alejandro, la “helenización” del mundo[1], con el griego koiné como lengua común[2]. El término es una invención moderna; el mundo helenístico no sólo incluía una enorme zona que abarcaba todo el mar Egeo, en lugar de la Grecia clásica centrada en las polis de Atenas y Esparta, sino también un enorme rango temporal. En términos artísticos, esto significa que existe una enorme variedad que a menudo se engloba bajo el epígrafe de “arte helenístico” por comodidad.

Una de las características que definen el periodo helenístico es la división del imperio de Alejandro en pequeños imperios dinásticos fundados por los diadochi (generales de Alejandro que se convirtieron en regentes de diferentes regiones): los Ptolomeos en Egipto, los Seléucidas en Mesopotamia, Persia y Siria, los Áticos en Pérgamo, etc. Cada una de estas dinastías practicaba un mecenazgo real diferente al de las ciudades-estado. En el séquito de Alejandro había tres artistas: El escultor Lisipo, el pintor Apeles y el grabador y tallador de gemas Pirgoteles[3] El período posterior a su muerte fue de gran prosperidad y considerable extravagancia para gran parte del mundo griego, al menos para los ricos. La realeza se convirtió en importante mecenas del arte. La escultura, la pintura y la arquitectura prosperaron, pero la pintura de jarrones dejó de tener gran importancia. La orfebrería y una amplia variedad de artes de lujo produjeron muchas obras de arte. Algunos tipos de arte popular eran cada vez más sofisticados.

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La vestimenta helenística

El poeta romano Ovidio relató un antiguo mito en el que Pigmalión, un escultor desencantado de las mujeres mortales, crea una imagen de la perfección femenina. Cuando queda cautivado por su propio ideal esculpido, Venus -la Afrodita griega- responde a sus plegarias y da vida a la estatua como Galatea.

A lo largo de los siglos, el arte y la moda han logrado sus propias transformaciones, inyectando en el proceso nuevas cualidades no presentes en las prendas originales. Incluso en la representación más naturalista de la vestimenta helénica, se introducen inevitablemente cualidades estilísticas subjetivas y proscritas. Al representar los detalles de los modos distintivos del antiguo atuendo griego, los artistas y diseñadores posteriores han cambiado, tanto como conservado, las cualidades reales del atuendo antiguo. Entre las estilizaciones que más han influido en los diseñadores de moda se encuentra el drapeado húmedo, un término utilizado por los historiadores del arte para describir la tela que parece adherirse al cuerpo en animados pliegues mientras revela los contornos de la forma que hay debajo (Victoria de Samotracia, Museo del Louvre, París). Esta característica escultórica -evidente en las figuras de los periodos clásico y helenístico- ha surgido en la moda como significante de la intención clasicista. Desde el siglo XIX hasta la actualidad, los diseñadores han utilizado diversas técnicas y materiales para reproducir sus efectos en la tela (C.I.50.21.12; 1985.155).

El drapeado en la historia del arte

detalle del Laocoonte Aunque el mármol se encuentra en toda Grecia, los griegos no empezaron a hacer estatuas con él hasta que se convirtieron en un pueblo marinero y fueron testigos de los colosales monumentos, estatuas y templos de Egipto.

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Al describir el kouros en una exposición titulada “El milagro griego: Esculturas clásicas del amanecer de la democracia” en el Museo Metropolitano de Arte en la década de 1990, Holland Cotter escribió en el New York Times: “Las primeras imágenes que reciben al visitante son la propia estatua de mármol teñida de rosa de un joven desnudo de pie, o kouros, de finales del siglo VII a.C., y unos pasos detrás de él hay un kouros del siglo VI procedente del Museo Arqueológico Nacional de Atenas… El contraste entre la anatomía rígida y esquemática de la primera figura y la forma flexible de la segunda, con los brazos ligeramente doblados como si se anticipara un abrazo, y el rostro levantado en una sonrisa despreocupada, personifica de un plumazo la evolución hacia el estilo “clásico” del siglo V a.C. [Fuente: Holland Cotter, New York Times, 12 de marzo de 1993].