Toda una escultura la disfruto mas

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Un artista italiano ha vendido una escultura «invisible» por 18.000 dólares (12.959 euros) en una subasta celebrada a principios de este mes.Según Italy24News, la escultura de Salvatore Garau «Io sono» (en italiano, «Yo soy») debe exponerse en una habitación privada, alejada de cualquier obstáculo, y en un área de unos 1,5 metros de largo y 1,5 metros de ancho. La iluminación y el control del entorno son opcionales, ya que nadie puede ver la obra. Garau ha recibido críticas por su afirmación de que la escultura es «inmaterial», es decir, que no existe o sólo existe en la mente de su creador. Sin embargo, el artista de 67 años se ha defendido afirmando que la escultura es más bien un «vacío». Recomendado «El vacío no es más que un espacio lleno de energía, e incluso si lo vaciamos y no queda nada, según el principio de incertidumbre de Heisenberg, esa ‘nada’ tiene un peso. Por lo tanto, tiene energía que se condensa y se transforma en partículas, es decir, en nosotros», dijo. «Al fin y al cabo, ¿no damos forma a un Dios que nunca hemos visto?», preguntó.La semana pasada, Garau expuso otra escultura invisible titulada «Buda en contemplación» en la Piazza della Scala de Milán: «Ahora existe y permanecerá en este espacio para siempre. No se ve, pero existe. Está hecho de aire y espíritu». Regístrese gratis para seguir leyendo

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La escultura es la rama de las artes visuales que opera en tres dimensiones. Es una de las artes plásticas. Los procesos escultóricos duraderos utilizaban originalmente la talla (la eliminación de material) y el modelado (la adición de material, como la arcilla), en piedra, metal, cerámica, madera y otros materiales pero, desde el Modernismo, ha habido una libertad casi total de materiales y procesos. Una gran variedad de materiales pueden ser trabajados por extracción, como la talla, ensamblados por soldadura o modelado, o moldeados o fundidos.

La escultura en piedra sobrevive mucho mejor que las obras de arte en materiales perecederos, y a menudo representa la mayor parte de las obras que se conservan (aparte de la cerámica) de las culturas antiguas, aunque a la inversa, las tradiciones de la escultura en madera pueden haber desaparecido casi por completo. Sin embargo, la mayor parte de la escultura antigua estaba pintada de forma brillante, lo que se ha perdido[2].

La escultura ha sido fundamental en la devoción religiosa de muchas culturas, y hasta los últimos siglos las esculturas de gran tamaño, demasiado costosas para ser creadas por particulares, solían ser una expresión de la religión o la política. Entre las culturas cuyas esculturas han sobrevivido en cantidad se encuentran las del antiguo Mediterráneo, India y China, así como muchas de América Central y del Sur y África.

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PublicidadLa gran gira de arte británica: media Hepworth que se convirtió en un todo Muy querida … Escultura ovalada, 1943, de Barbara Hepworth. Fotografía: Bowness/The Pier Arts CentreMuy querida … Escultura ovalada, 1943, de Barbara Hepworth. Fotografía: Bowness/The Pier Arts CentreCon el cierre de las colecciones de arte público, le acercamos el arte, explorando lo más destacado y las joyas ocultas de todo el país en colaboración con Art UK. La selección de hoy: La escultura ovalada de las OrcadasLa escultura ovalada fue realizada por Barbara Hepworth en 1943. Está tallada en madera plana con el interior pintado de blanco. Forma parte de la colección permanente del Pier Arts Centre desde que la galería abrió sus puertas en Stromness en 1979. Margaret Gardiner, la fundadora del Arts Centre, era una gran amiga de Hepworth, Ben Nicholson (el segundo marido de Hepworth) y muchos otros artistas que trabajaban en Cornualles en aquella época. Vio esta obra en una galería de arte londinense en 1946 y cuenta la historia (en una publicación que marcó el lanzamiento del Pier Arts Centre) de cómo llegó a comprarla.

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características del arte cinético

Uno de los grandes retos actuales es que a menudo nos sentimos ajenos a los problemas de los demás y a cuestiones globales como el cambio climático, incluso cuando podríamos hacer fácilmente algo para ayudar. No nos sentimos lo suficientemente fuertes como para formar parte de una comunidad global, de un nosotros mayor. Dar a la gente acceso a los datos suele hacer que se sientan abrumados y desconectados, y no capacitados y preparados para actuar. Aquí es donde el arte puede marcar la diferencia. El arte no muestra a la gente lo que tiene que hacer, pero el compromiso con una buena obra de arte puede conectar con los sentidos, el cuerpo y la mente. Puede hacer que el mundo se sienta. Y esta sensación puede estimular el pensamiento, el compromiso e incluso la acción.

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Como artista, he viajado a muchos países del mundo en los últimos 20 años. Un día puedo estar frente a una audiencia de líderes mundiales o intercambiar pensamientos con un ministro extranjero y al siguiente discutir la construcción de una obra de arte o una exposición con artesanos locales. Trabajar como artista me ha puesto en contacto con una gran cantidad de puntos de vista sobre el mundo y me ha introducido en un amplio abanico de percepciones, ideas sentidas y conocimientos realmente diferentes. El hecho de poder participar en estos intercambios locales y globales ha afectado profundamente a las obras de arte que hago, impulsándome a crear un arte que espero que llegue a la gente de todo el mundo.