Pintura en el renacimiento
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Renacimiento italiano…
Renacimiento, término francés que ha venido a describir el “renacimiento” del interés por el arte y el saber clásicos, sobre todo de Italia, desde principios del siglo XIV hasta mediados del XVI. El término se aplica como etiqueta estilística al arte de estos siglos.
El redescubrimiento de monedas, esculturas e ideas filosóficas antiguas contribuyó a los debates en sociedades que ya estaban cambiando. Las nuevas prácticas religiosas pusieron mayor énfasis en un arte naturalista que pudiera contar historias. La escultura antigua ofrecía extraordinarios ejemplos de ello, estimulando a los artistas contemporáneos que ya exploraban formas creíbles de representar el mundo que les rodeaba.
El sistema de perspectiva matemática (que creaba la ilusión de profundidad en una pintura plana) se inventó en Italia, mientras que los artistas neerlandeses desarrollaban la pintura al óleo, que les permitía conseguir efectos muy realistas.
El misterioso cuadro de Leonardo muestra a la Virgen María con San Juan Bautista, primo de Cristo, y un ángel. Todos se arrodillan para adorar a Cristo niño, que a su vez levanta la mano para bendecirlos. Están apiñados en una gruta cubierta de rocas y con una densa vegetación.
Los 100 cuadros más famosos del renacimiento
El arte del Renacimiento (1350 – 1620 d.C.[1]) es la pintura, la escultura y las artes decorativas del periodo de la historia europea conocido como el Renacimiento, que surgió como un estilo distinto en Italia hacia el año 1400 d.C., en paralelo con los desarrollos que se produjeron en la filosofía, la literatura, la música, la ciencia y la tecnología. El arte del Renacimiento tomó como base el arte de la Antigüedad clásica, percibido como la más noble de las tradiciones antiguas, pero transformó esa tradición absorbiendo los recientes desarrollos del arte del norte de Europa y aplicando los conocimientos científicos contemporáneos. Junto con la filosofía humanista del Renacimiento, se extendió por toda Europa, afectando tanto a los artistas como a sus mecenas con el desarrollo de nuevas técnicas y nuevas sensibilidades artísticas. Para los historiadores del arte, el arte del Renacimiento marca la transición de Europa del periodo medieval a la Edad Moderna.
Son muchas las influencias que se atribuyen al desarrollo de los hombres y mujeres del Renacimiento a principios del siglo XV; son las mismas que afectaron a la filosofía, la literatura, la arquitectura, la teología, la ciencia, el gobierno y otros aspectos de la sociedad. La siguiente lista presenta un resumen de los cambios en las condiciones sociales y culturales que se han identificado como factores que contribuyeron al desarrollo del arte del Renacimiento. Cada uno de ellos se trata con más detalle en los principales artículos citados anteriormente. Los estudiosos del periodo renacentista se centraron en la vida actual y en las formas de hacer evolucionar y mejorar la vida humana en su totalidad. No prestaron mucha atención a la filosofía o la religión medievales. Durante este periodo, eruditos y humanistas como Erasmo, Dante y Petrarca criticaron las creencias supersticiosas y también las cuestionaron. [El concepto de educación también amplió su espectro y se centró más en la creación de un “hombre ideal” que tuviera una comprensión justa de las artes, la música, la poesía y la literatura y que tuviera la capacidad de apreciar estos aspectos de la vida. Durante este período, surgió una perspectiva científica que ayudó a la gente a cuestionar los rituales innecesarios de la iglesia.
Ejemplos de arte del renacimiento
La pintura del Renacimiento italiano es la pintura del periodo que comienza a finales del siglo XIII y florece desde principios del siglo XV hasta finales del XVI, y que tiene lugar en la Península Itálica, que en aquella época estaba dividida en muchos estados políticos, algunos independientes pero otros controlados por poderes externos. Los pintores de la Italia del Renacimiento, aunque a menudo vinculados a determinadas cortes y con lealtades a determinadas ciudades, vagaban sin embargo a lo largo y ancho de Italia, ocupando a menudo un estatus diplomático y difundiendo ideas artísticas y filosóficas[1].
La ciudad de Florencia, en la Toscana, tiene fama de ser la cuna del Renacimiento y, en particular, de la pintura renacentista, aunque posteriormente Roma y Venecia adquirieron una importancia creciente en la pintura. En los artículos complementarios Arte del Renacimiento y Arquitectura del Renacimiento se ofrece información detallada sobre el tema.
La pintura italiana del Renacimiento suele dividirse en cuatro periodos: el Proto-Renacimiento (1300-1425), el Renacimiento temprano (1425-1495), el Alto Renacimiento (1495-1520) y el Manierismo (1520-1600). Las fechas de estos periodos representan la tendencia general de la pintura italiana y no abarcan a todos los pintores, ya que las vidas de los artistas individuales y sus estilos personales se superponen a estos periodos.
Artistas renacentistas famosos y sus obras de arte
Durante el Renacimiento, los pintores adoptaron el clasicismo (simplicidad, equilibrio, claridad; véase la estética occidental) y el realismo físico. El Renacimiento temprano (liderado por Florencia) fue el periodo de formación de este enfoque; en otras palabras, fueron los artistas del Renacimiento temprano quienes desarrollaron y refinaron inicialmente las técnicas del clasicismo y el realismo físico. Una vez establecida esta base, la cima del clasicismo se alcanzó en el Alto Renacimiento (liderado por Roma). Durante el Renacimiento tardío (que no tuvo ningún líder en particular, aunque tanto Florencia como Roma siguieron siendo fuerzas primarias), el severo equilibrio y la simplicidad del Alto Renacimiento se relajaron, presagiando la era del Barroco.
Una de las principales tendencias del arte del Renacimiento tardío fue el manierismo: la búsqueda deliberada de la novedad y la complejidad. En la pintura, el manierismo implicaba la distorsión de las formas físicas (por ejemplo, la anatomía humana alargada), el colorido y la iluminación antinaturales, la disposición de las figuras en poses complejas y una composición algo desequilibrada e inquieta (frente a la composición equilibrada y estable del clasicismo puro).23 El manierismo, liderado conjuntamente por Florencia y Roma, era por tanto bastante artificioso y artificial (es decir, “amanerado”), de ahí su nombre. Aunque sólo una parte de los artistas del Renacimiento tardío pertenecían a este movimiento, las características del manierismo (y su pura voluntad de “romper las reglas”) fueron ampliamente
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