▷ Artes visuales pintura escultura y arquitectura

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Arte: Una historia de la pintura, la escultura y la arquitectura es una colección de dos volúmenes de historia general del arte escrita por Frederick Hartt. El volumen I va desde las pinturas rupestres del paleolítico hasta el arte tardomedieval. El volumen II comienza en el Renacimiento y termina con el arte moderno. Fue publicado originalmente en 1976 por Harry N. Abrams. Incorporated, Nueva York, con 1.271 ilustraciones, entre ellas 157 a todo color y 28 con dorado, 34 mapas creados especialmente para esta obra. Seis líneas de tiempo, 3 en cada volumen, relacionan importantes acontecimientos históricos y culturales con las artes de su periodo.

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Las artes visuales son formas de arte como la pintura, el dibujo, el grabado, la escultura, la cerámica, la fotografía, el vídeo, el cine, el diseño, la artesanía y la arquitectura. Muchas disciplinas artísticas, como las artes escénicas, el arte conceptual y las artes textiles, también incluyen aspectos de las artes visuales, así como artes de otro tipo. También se incluyen dentro de las artes visuales[1] las artes aplicadas[2] como el diseño industrial, el diseño gráfico, el diseño de moda, el diseño de interiores y el arte decorativo[3].

El uso actual del término “artes visuales” incluye tanto las bellas artes como las artes aplicadas o decorativas y la artesanía, pero no siempre fue así. Antes del Movimiento de las Artes y los Oficios en Gran Bretaña y en otros lugares a principios del siglo XX, el término “artista” se había restringido durante algunos siglos a una persona que trabajaba en las bellas artes (como la pintura, la escultura o el grabado) y no en las artes decorativas, la artesanía o los medios de artes visuales aplicadas. Los artistas del Movimiento de las Artes y los Oficios, que valoraban las formas artísticas vernáculas tanto como las elevadas, hicieron hincapié en esta distinción[4] Las escuelas de arte distinguían entre las bellas artes y la artesanía, y sostenían que un artesano no podía ser considerado un practicante de las artes.

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Cuando Kurt Wenner crecía, su padre era un científico universitario y su madre enseñaba música. La conversación en la mesa solía girar en torno a las ideas del pasado en estos campos. Se cuestionaban teorías y conceptos, y Wenner creció comprendiendo que su trabajo se basaba en un patrimonio de ideas que había llegado a través de los siglos. Su madre le inculcó el amor por el arte, mientras que su padre se aseguró de que lo supiera todo sobre matemáticas y ciencias. No es de extrañar que acabara trabajando como artista para la NASA… A pesar de su erudición, nadie podía explicar por qué los artistas contemporáneos ya no tenían la capacidad de crear imágenes como las del Renacimiento. Al fin y al cabo, oía a su madre tocar el piano clásico junto con melodías contemporáneas. La investigación científica de su padre luchaba con la información del pasado y acabó por anular el trabajo de un reciente premio Nobel. De joven, Wenner creció sintiéndose cómodo cuestionando las ideas procedentes del patrimonio y del presente. Reconoció la ruptura en la continuidad de las artes visuales y supo que le correspondería investigar y descubrir las respuestas por sí mismo.