Imagenes de arte escultura
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Imágenes de esculturas modernas
La escultura no es un término fijo que se aplique a una categoría permanentemente circunscrita de objetos o conjuntos de actividades. Es, más bien, el nombre de un arte que crece y cambia y que amplía continuamente el alcance de sus actividades y hace evolucionar nuevos tipos de objetos. El alcance del término era mucho más amplio en la segunda mitad del siglo XX de lo que había sido sólo dos o tres décadas antes, y en el fluido estado de las artes visuales en el siglo XXI nadie puede predecir cuáles serán sus futuras extensiones.
Algunas características que en siglos anteriores se consideraban esenciales para el arte de la escultura no están presentes en gran parte de la escultura moderna y ya no pueden formar parte de su definición. Una de las más importantes es la representación. Antes del siglo XX, la escultura se consideraba un arte de representación, que imitaba formas de la vida, casi siempre figuras humanas, pero también objetos inanimados, como juegos, utensilios y libros. Sin embargo, desde principios del siglo XX, la escultura incluye también formas no representativas. Durante mucho tiempo se ha aceptado que las formas de objetos tridimensionales funcionales como muebles, vasijas y edificios pueden ser expresivas y bellas sin ser en absoluto representativas; pero sólo en el siglo XX se empezaron a producir obras de arte tridimensionales no funcionales y no representativas.
Imágenes de esculturas famosas
En algún momento de los últimos siglos, se podría argumentar que el conocimiento y la apreciación del arte superaron al de la religión para las clases educadas. Claro, la gente sigue asociando y practicando las múltiples formas: El catolicismo, el judaísmo, el islam, por nombrar algunas. Pero para muchos más, quizás, es el arte lo que miran religiosamente. Y aunque las obras de arte públicas encargadas han formado parte de nuestra cultura durante siglos, ahora parecen más omnipresentes que nunca. El significado, y por tanto el impacto, de una obra encargada puede cambiar el tejido de una esquina o de una ciudad (pensemos en el famoso Bean de Chicago o en el icónico Knotted Gun de Nueva York). Desde las bulliciosas calles de las principales ciudades estadounidenses hasta rincones más tranquilos del planeta, como Howick (Sudáfrica) o Las Colinas (Texas), Architectural Digest analiza 28 de las esculturas públicas más fascinantes del mundo. Cada una de ellas responde a una curiosidad cultural: una pregunta formulada por un grupo o funcionarios de la ciudad y respondida por los artistas.
Foto de escultor trabajando
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Una simple gota de agua es hermosa, pero cuando dos gotas chocan, las variedades son infinitas y fascinantes. Las formas se ven afectadas por muchas cosas: las propiedades físicas del líquido, como la tensión superficial y la viscosidad, así como el momento de las gotas y cuando se abre el obturador de la cámara y se dispara el flash. Al ser experimentos de dinámica de fluidos, revelan la naturaleza caótica del flujo de fluidos: a veces puede ser bastante reproducible y otras veces muy sensible a las condiciones iniciales.
Las gotas de leche producen salpicaduras fascinantes. Uno de los objetivos de Harold Edgerton durante toda su vida fue capturar la salpicadura de leche “perfecta”. Su imagen de una gota de leche salpicando sobre un fondo rojo es una de las fotografías de alta velocidad más conocidas.
El escultor y la imagen resumen
Love es una imagen de arte pop del artista estadounidense Robert Indiana. Consta de las letras L y O sobre las letras V y E en negrita; la O está inclinada hacia un lado de modo que su espacio negativo oblongo crea una línea que conduce a la V. La imagen original, con espacios verdes y azules que respaldan las letras rojas, sirvió como imagen impresa para una tarjeta de Navidad del Museo de Arte Moderno en 1965. En esta misma forma, el diseño pronto adornó un popular sello de correos de Estados Unidos[1].
La representación original de Love en escultura se realizó en 1970 y se expone en Indiana, en el Museo de Arte de Indianápolis. El material es acero COR-TEN[2]. Desde entonces, la obra se ha reproducido en diversos formatos para su exhibición en todo el mundo.
La historiadora del MoMA, Deborah Wye[3], describe la imagen de Indiana como “llena de matices eróticos, religiosos, autobiográficos y políticos” que la hacen “accesible y compleja en su significado”[3][4] Megan Wilde ofreció más detalles sobre los orígenes autobiográficos en un artículo para la revista Mental Floss: “La palabra amor estaba relacionada con las experiencias de la infancia [del artista] al asistir a una iglesia de la Ciencia Cristiana, donde la única decoración era la inscripción en la pared “Dios es amor”. Los colores eran un homenaje a su padre, que trabajaba en una gasolinera Phillips 66 durante la Depresión”. Cita a Robert Indiana describiendo los colores originales como “el rojo y el verde de ese cartel contra el cielo azul de Hoosier”[5].
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