Pablo picasso obras cubismo

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El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que revolucionó la pintura y la escultura europeas e inspiró movimientos afines en la música, la literatura y la arquitectura. En las obras de arte cubistas, los objetos se analizan, se descomponen y se vuelven a ensamblar de forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde un único punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar el tema en un contexto mayor.[1] El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX.[2][3] El término se utiliza ampliamente en asociación con una amplia variedad de arte producido en París (Montmartre y Montparnasse) o cerca de París (Puteaux) durante la década de 1910 y a lo largo de la década de 1920.

El movimiento fue impulsado por Pablo Picasso y Georges Braque, y a él se sumaron Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Juan Gris y Fernand Léger[4] Una de las principales influencias que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne. [5] En el Salón de Otoño de 1904 se celebró una retrospectiva de los cuadros de Cézanne, y en los Salones de Otoño de 1905 y 1906 se expusieron obras actuales, a las que siguieron dos retrospectivas conmemorativas tras su muerte en 1907[6].

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El cubismo analítico es una de las dos ramas principales del movimiento artístico del cubismo y se desarrolló entre 1908 y 1912. A diferencia del cubismo sintético, los cubistas analíticos “analizaban” las formas naturales y las reducían a partes geométricas básicas en el plano pictórico bidimensional. El color era casi inexistente, salvo el uso de un esquema monocromático que a menudo incluía grises, azules y ocres. En lugar de hacer hincapié en el color, los cubistas analíticos se centraron en formas como el cilindro, la esfera y el cono para representar el mundo natural. Durante este movimiento, las obras producidas por Picasso y Braque compartían similitudes estilísticas.

Tanto Pablo Picasso como Georges Braque se inclinaron por la abstracción, dejando sólo los signos suficientes del mundo real para suministrar una tensión entre la realidad fuera del cuadro y las complicadas meditaciones sobre el lenguaje visual dentro del marco, ejemplificadas a través de sus cuadros Ma Jolie (1911), de Picasso, y El portugués (1911), de Braque.

La técnica del facetado tiene su origen en Georges Braques: era su forma de representar un objeto natural. Picasso no facetó tanto los objetos naturales, sino que utilizó la geometría de las pinturas facetadas de Braques para crear un estilo que era abstracto en esencia, casi puro arte abstracto. Así que el cubismo se refiere a los estilos de Braques y Picasso, aunque el cubismo de Braques tiene un objetivo figurativo reconocible, mientras que el cubismo de Picasso sirvió de enlace entre el estilo de Braques y el arte abstracto puro que siguió al cubismo.

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La pintura de Picasso resultó chocante incluso para sus amigos artistas más cercanos, tanto por su contenido como por su experimentación formal. El tema de las mujeres desnudas no era en sí mismo inusual, pero el hecho de que Picasso pintara a las mujeres como prostitutas en posturas agresivamente sexuales era novedoso. Su descarada sexualidad se vio acentuada por la influencia de Picasso en el arte no occidental, que se hace más evidente en los rostros de tres de las mujeres, que están representados como máscaras, lo que sugiere que su sexualidad no es sólo agresiva, sino también primitiva. Los inusuales elementos formales del cuadro también forman parte de su valor de choque. Picasso abandonó la ilusión renacentista de la tridimensionalidad, presentando en su lugar un plano pictórico radicalmente aplanado y dividido en fragmentos geométricos. Por ejemplo, el cuerpo de la mujer de pie en el centro está compuesto de ángulos y bordes afilados. Tanto la tela que envuelve la parte inferior de su cuerpo como el propio cuerpo reciben la misma atención que el espacio negativo que los rodea, como si todos estuvieran en primer plano y fueran igualmente importantes. El cuadro fue considerado por muchos como inmoral cuando finalmente se expuso en público en 1916. Braque es uno de los pocos artistas que lo estudió detenidamente en 1907, lo que le llevó directamente a su posterior colaboración con Picasso. Debido a que predijo algunas de las características del cubismo, Les Demoiselles se considera proto o pre-cubista.

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1908Casas en L’EstaqueArtista: Georges Braque En este cuadro, Braque muestra la influencia de Les Demoiselles de Picasso del año anterior y de la obra de Paul Cézanne. De Cézanne adaptó la pincelada unidireccional y uniforme y el espaciado plano, mientras que de Picasso tomó la simplificación radical de la forma y el uso de formas geométricas para definir los objetos. Por ejemplo, no hay línea de horizonte ni se utiliza el sombreado tradicional para dar profundidad a los objetos, de modo que las casas y el paisaje parecen superponerse y ocupar el primer plano del cuadro. En conjunto, esta obra puso de manifiesto su adhesión a los experimentos de Picasso y dio lugar a su colaboración. Óleo sobre lienzo – Fundación Hermann y Margrit Rupf, Berna

1909Violín y paletaArtista: Georges Braque En 1909, Picasso y Braque ya colaboraban pintando, en gran medida, escenas de interiores que incluían referencias a la música, como instrumentos musicales o partituras. En este ejemplo temprano del cubismo analítico, Braque experimentaba aún más con los espacios poco profundos reduciendo la paleta de colores a marrones y grises neutros que aplanan aún más el espacio. La obra es también indicativa de los intentos de Braque de mostrar el mismo objeto desde diferentes puntos de vista. El sombreado se utiliza para crear una impresión de bajorrelieve con las diversas formas geométricas que parecen superponerse ligeramente. Los instrumentos musicales, como las guitarras, los violines y los clarinetes, aparecen con frecuencia en los cuadros cubistas, especialmente en las obras de Braque, que se formó como músico. Al basarse en un tema tan repetido, las obras también animan al espectador a concentrarse en las innovaciones estilísticas del cubismo más que en la especificidad del tema. Óleo sobre lienzo – The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York

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