Principales exponentes del teatro

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Este movimiento conocido como el Teatro del Absurdo no fue concebido conscientemente, y nunca ha tenido doctrinas filosóficas claras, ni intentos organizados de ganar adeptos, ni reuniones. Cada uno de los principales dramaturgos del movimiento parece haberse desarrollado de forma independiente. Los dramaturgos que más se asocian al movimiento son Samuel Beckett, Eugene Ionesco, Jean Genet y Arthur Adamov. Las primeras obras de Edward Albee y Harold Pinter encajan en esta clasificación, pero estos dramaturgos también han escrito obras que se alejan de los elementos básicos del Teatro del Absurdo.

Al contemplar las obras que componen este movimiento, hay que renunciar al teatro de situaciones coherentemente desarrolladas, hay que renunciar a las caracterizaciones arraigadas en la lógica de la motivación y la reacción, hay que olvidar a veces los escenarios que guardan una relación intrínseca, realista u obvia con el drama en su conjunto, hay que olvidar el uso del lenguaje como herramienta de comunicación lógica y hay que olvidar las relaciones de causa y efecto que se encuentran en los dramas tradicionales. Mediante el uso de una serie de dispositivos desconcertantes, estos dramaturgos han acostumbrado gradualmente al público a un nuevo tipo de relación entre el tema y la presentación. En estas obras, aparentemente extrañas y fantásticas, el mundo exterior es a menudo representado como amenazante, devorador y desconocido; los escenarios y las situaciones a menudo nos hacen sentir vagamente incómodos; el propio mundo parece incoherente y aterrador y extraño, pero al mismo tiempo parece inquietantemente poético y familiar.

teatro europeo vs. teatro del pacífico

El teatro o el teatro[a] es una forma de arte escénico colaborativo que utiliza intérpretes en vivo, generalmente actores o actrices, para presentar la experiencia de un evento real o imaginado ante un público en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario. Los intérpretes pueden comunicar esta experiencia al público mediante combinaciones de gestos, palabras, canciones, música y danza. Los elementos artísticos, como la escenografía pintada y la iluminación, se utilizan para realzar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia[1] El lugar específico de la representación también recibe el nombre de la palabra “teatro”, que deriva del griego antiguo θέατρον (théatron, “lugar para ver”), que a su vez procede de θεάομαι (theáomai, “ver”, “mirar”, “observar”).

El teatro occidental moderno procede, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia, del que toma prestada la terminología técnica, la clasificación en géneros y muchos de sus temas, personajes y elementos argumentales. El artista teatral Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral, la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimas que diferencian al teatro de las demás artes escénicas, la literatura y las artes en general[2][b].

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Sigmund Freud inspiró el interés por los mitos y los sueños cuando los dramaturgos se familiarizaron con sus estudios sobre el psicoanálisis. Junto con la ayuda de Carl Jung, los dos psiquiatras influyeron en los dramaturgos para que incorporaran los mitos a sus obras. Esta integración permitió que los dramaturgos tuvieran nuevas oportunidades de aumentar los límites del realismo en sus obras. Cuando los dramaturgos empezaron a utilizar los mitos en sus obras, se creó una “forma poética de realismo”. Esta forma de realismo trata de verdades generalizadas entre todos los seres humanos, reforzadas por la idea del inconsciente colectivo de Carl Jung.

Gran parte del realismo poético que se escribió a principios del siglo XX se centró en los retratos de la vida campesina irlandesa. John Millington Synge, W.B. Yeats y Lady Gregory fueron algunos de los escritores que utilizaron el realismo poético. Su representación de la vida campesina era a menudo poco atractiva y muchos públicos reaccionaron con crueldad. Muchas obras de teatro poéticamente realistas suelen tener temas desagradables, como la lujuria entre un hijo y su madrastra o el asesinato de un bebé para “demostrar” el amor. Estas obras utilizaban los mitos como sustitutos de la vida real para permitir que el público viviera la desagradable trama sin conectar completamente con ella.

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El “Teatro del Absurdo” se ha convertido en una frase hecha, muy usada y muy abusada. ¿Qué significa? ¿Y cómo se puede justificar esa etiqueta? Quizás lo mejor sea intentar responder primero a la segunda pregunta. No existe ningún movimiento organizado, ninguna escuela de artistas que reivindique esta etiqueta. Muchos de los dramaturgos que han sido clasificados bajo esta etiqueta, cuando se les pregunta si pertenecen al Teatro del Absurdo, responderán con indignación que no pertenecen a ningún movimiento de este tipo, y con razón. Porque cada uno de los dramaturgos en cuestión pretende expresar, ni más ni menos, su propia visión personal del mundo.

Sin embargo, este tipo de conceptos críticos son útiles cuando surgen nuevos modos de expresión, nuevas convenciones artísticas. Cuando las obras de Ionesco, Beckett, Genet y Adamov aparecieron por primera vez en escena, desconcertaron e indignaron a la mayoría de los críticos y al público. Y no es de extrañar. Estas obras desafían todas las normas por las que se ha juzgado el teatro durante muchos siglos; por lo tanto, deben aparecer como una provocación para las personas que han llegado al teatro esperando encontrar lo que reconocerían como una obra bien hecha. De una obra bien hecha se espera que presente personajes bien observados y con motivaciones convincentes: estas obras a menudo apenas contienen seres humanos reconocibles y presentan acciones completamente inmotivadas. De una obra bien hecha se espera que entretenga con diálogos ingeniosos y lógicamente construidos: en algunas de estas obras el diálogo parece haber degenerado en un balbuceo sin sentido. Se espera que una obra de teatro bien hecha tenga un principio, un medio y un final bien atado: estas obras a menudo comienzan en un punto arbitrario y parecen terminar de forma igualmente arbitraria. Según todos los criterios tradicionales de apreciación crítica del drama, estas obras no sólo son abominablemente malas, sino que ni siquiera merecen el nombre de drama.

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