Curso de escultura pdf
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El libro es un buen recurso para un curso básico de apreciación del arte que planea centrarse más en los temas y los tópicos y menos en las cualidades formales. La mayoría de los ejemplos son de enfoque occidental y proporcionan un punto de vista muy eurocéntrico. Hay una falta de…
El libro es un buen recurso para un curso básico de apreciación del arte que planea centrarse más en los tópicos y temas y menos en las cualidades formales. La mayoría de los ejemplos son de enfoque occidental y proporcionan un punto de vista muy eurocéntrico. Hay una falta de representación femenina, tanto de creadores como de mecenas, lo que proporciona un enfoque centrado en los hombres, algo habitual en los libros de texto de historia del arte.
Para un estudio tiene relevancia, pero no es relevante para un curso de historia del arte de división superior. El libro no incluye mucho material posterior a 1960, carece de representación más allá de Europa y de la civilización occidental, y tiene pocas aportaciones femeninas.
El modelo del libro es claro, bien diseñado y coherente. Los autores han expresado sus ideas en un lenguaje fácil de entender y han proporcionado imágenes y/o enlaces a imágenes para ampliar la experiencia de aprendizaje visualmente. Al principio de cada capítulo hay una lista de objetivos de aprendizaje, y al final de cada capítulo hay un repaso de los conceptos clave, una sección para ponerse a prueba y términos clave.
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En las tradiciones académicas europeas, las bellas artes se desarrollan principalmente por la estética o la belleza, lo que las distingue de las artes decorativas o las artes aplicadas, que también tienen que cumplir alguna función práctica, como la cerámica o la mayoría de los trabajos en metal. En las teorías estéticas desarrolladas en el Renacimiento italiano, el arte más elevado era el que permitía la plena expresión y el despliegue de la imaginación del artista, sin restricciones por ninguna de las consideraciones prácticas implicadas en, por ejemplo, la fabricación y decoración de una tetera. También se consideraba importante que la realización de la obra de arte no implicara la división del trabajo entre diferentes personas con habilidades especializadas, como podría ser necesario en el caso de un mueble, por ejemplo[1] Incluso dentro de las bellas artes, existía una jerarquía de géneros basada en la cantidad de imaginación creativa requerida, situándose la pintura de historia por encima de la naturaleza muerta.
Una de las definiciones de las bellas artes es “un arte visual que se considera creado principalmente con fines estéticos e intelectuales y que se juzga por su belleza y significado, en concreto, la pintura, la escultura, el dibujo, la acuarela, la gráfica y la arquitectura”[3] En ese sentido, existen diferencias conceptuales entre las bellas artes y las artes decorativas o las artes aplicadas (estos dos términos abarcan en gran medida los mismos medios). En lo que respecta al consumidor del arte, la percepción de las cualidades estéticas requería un juicio refinado al que se suele denominar tener buen gusto, lo que diferenciaba las bellas artes del arte popular y del entretenimiento[4].
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Únase a expertos internacionales en una serie de diez semanas sobre la historia de la escultura y explore cómo los artistas utilizan una serie de estilos, técnicas y materiales para crear objetos tridimensionales, desde las civilizaciones antiguas hasta la actualidad.
Desde las primeras civilizaciones, la escultura ha sido un elemento central de las prácticas devocionales y puede encontrarse en culturas de todo el mundo, y con el tiempo se ha convertido en una de las formas de arte más universales y duraderas. Esculturas tan diversas como la Venus de Berekhat Ram (230.000 – 700.000 a.C.), la monumental Esfinge egipcia (2558 – 2532 a.C.) y las miniaturas de oro de la época precolombina (a partir de 500 d.C.) son algunos ejemplos de la primera escultura devocional con un rotundo significado social y cultural.
Está ampliamente aceptado que la tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia (800 a.C. – 600 d.C.), donde los escultores empezaron a alejarse de la creación de objetos puramente espirituales para intentar plasmar el cuerpo humano en metal y piedra. Este movimiento tuvo una profunda influencia en todo el arte posterior, hasta el siglo XX. Estos ejemplos clásicos siguen constituyendo la base del canon histórico del arte e informan e inspiran a los artistas contemporáneos de hoy.
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Con su enfoque interdisciplinario único que une la producción de estudio, la historia del arte y la práctica curatorial, el Departamento de Arte Visual e Historia del Arte de AMPD ofrece a los estudiantes la oportunidad de convertirse en profesionales completos en el campo, capaces de liderar la creación, la exposición, la comprensión crítica y la comunicación de la cultura visual en diversos entornos.
A través de una formación intensiva en el estudio, apoyada por los estudios de historia y teoría del arte, los estudiantes reciben una base completa en la producción de obras de arte y el análisis cultural comparativo en una amplia gama de medios tradicionales y contemporáneos. En el año inicial, los estudiantes toman cursos en todos los medios artísticos – pintura, escultura, medios impresos, dibujo, fotografía y arte interdisciplinario – y luego pueden elegir especializarse en una o más áreas. En todos los niveles, los estudiantes cuentan con la tutoría de profesores que son artistas de gran prestigio con prácticas profesionales activas.
Los estudiantes de Artes Visuales de York son apoyados en su exploración y creación con el acceso a instalaciones que no tienen rival en Canadá, incluyendo el Centro de Estudios de Artes Visuales Joan Goldfarb; el Centro de Escultura L. L. Odette; amplios estudios de última generación; cinco galerías de exposición dirigidas por estudiantes y la galardonada Galería de Arte de la Universidad de York.
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