El cuerpo en la escultura
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Se trata de una historia de las representaciones escultóricas del cuerpo humano, en la que se reconocen los debates críticos sobre el cuerpo, así como la importancia estética e histórica de las obras de arte individuales. El libro abarca desde la prehistoria hasta el postmodernismo e incorpora tanto los grandes logros de escultores como Donatello, Miguel Ángel, Canova y Brancusi, como aquellas representaciones más sombrías del cuerpo humano que el autor identifica como el “doppelganger” de la escultura, desde las obras de cera hasta los cyborgs. El subtema del libro, la pintura sobre la escultura y el uso de medios mixtos, se persigue como contrapunto histórico a las ideas en evolución sobre el desarrollo del cuerpo.
Introducción: obras de cera, muñecos y “doppelgangers”. Ídolos, mitos y magia – el cuerpo en la antigüedad; el cuerpo renacido – la Edad Media; la apoteosis del cuerpo – el Alto Renacimiento y el Barroco; el cuerpo sublime – el siglo XVIII; el cuerpo en color – el siglo XIX; abyecciones y ensamblaje – el cuerpo en el siglo XX.
El cuerpo en la historia del arte
El cuerpo humano es fundamental para entender facetas de la identidad como el género, la sexualidad, la raza y la etnia. La gente modifica su cuerpo, su pelo y su ropa para alinearse con las convenciones sociales o rebelarse contra ellas y para expresar mensajes a los demás. Muchos artistas exploran el género a través de representaciones del cuerpo y utilizando sus propios cuerpos en su proceso creativo.
Las décadas de 1960 y 1970 fueron una época de convulsiones sociales en Estados Unidos y Europa, entre las que destaca la lucha por la igualdad de la mujer en materia de sexualidad, derechos reproductivos, familia y trabajo. Artistas e historiadores del arte empezaron a investigar cómo las imágenes del arte occidental y de los medios de comunicación, a menudo producidas por hombres, perpetuaban las idealizaciones de la forma femenina. Las artistas feministas reivindicaron el cuerpo femenino y lo representaron a través de una variedad de lentes.
En esta época, el cuerpo adquirió otro papel importante como medio con el que los artistas creaban sus obras. En el arte de la performance, un término acuñado a principios de la década de 1960 cuando el género empezaba a afianzarse, las acciones que realiza un artista son fundamentales para la obra de arte. Para muchos artistas, el uso de sus cuerpos en las performances se convirtió en una forma de reclamar el control sobre sus propios cuerpos y de cuestionar las cuestiones de género.
El cuerpo en el arte contemporáneo.
En mayo de 1903, en el Burlington Fine Arts Club de Londres, Rodin vio una Cabeza de mujer joven de mármol, procedente de Quíos, que pertenecía a Edward Perry Warren, un coleccionista que había encargado tres años antes una versión en mármol de El beso.
El escultor trató inicialmente de intercambiar varias de sus propias obras por esta escultura griega, y luego intentó comprarla a cualquier precio, pero todos sus esfuerzos fueron en vano. Al año siguiente, Rodin “compensó” su frustración escribiendo y publicando un artículo sobre la obra en la revista Le Musée, Revue d’Art Antique. Desde que vio por primera vez esta Cabeza de Guerrero, Rodin no pudo contener su admiración, que proclamó en una entrevista concedida a un periodista del Morning Post: “Es la vida misma. Encarna todo lo que es bello, la vida misma, la belleza misma. Es admirable. Esos labios separados. No soy un hombre de letras, por lo que soy incapaz de describir esta obra de arte verdaderamente grande. Siento pero no puedo encontrar las palabras que den expresión a lo que siento. ¡Esto es una Venus! No puedes imaginar cuánto me interesa esta Venus. Es como una flor, una joya perfecta. Tan perfecta que es tan desconcertante como la propia naturaleza. Nada podría describirla”. (“Entrevista con M. Rodin: Una Venus de Praxiteles”, Morning Post, 28 de mayo de 1903)
Esculturas famosas del cuerpo humano
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Se trata de una historia de las representaciones escultóricas del cuerpo humano, en la que se reconocen los debates críticos sobre el cuerpo, así como la importancia estética e histórica de las obras de arte individuales. El libro abarca desde la prehistoria hasta el postmodernismo e incorpora tanto los grandes logros de escultores como Donatello, Miguel Ángel, Canova y Brancusi, como aquellas representaciones más sombrías del cuerpo humano que el autor identifica como el “doppelganger” de la escultura, desde las obras de cera hasta los cyborgs. El subtema del libro, la pintura sobre la escultura y el uso de medios mixtos, se persigue como contrapunto histórico a las ideas en evolución sobre el desarrollo del cuerpo.
Introducción: obras de cera, muñecos y “doppelgangers”. Ídolos, mitos y magia – el cuerpo en la antigüedad; el cuerpo renacido – la Edad Media; la apoteosis del cuerpo – el Alto Renacimiento y el Barroco; el cuerpo sublime – el siglo XVIII; el cuerpo en color – el siglo XIX; abyecciones y ensamblaje – el cuerpo en el siglo XX.
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