Cuando se hizo Afrodita de Knidos
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David (1504) “¿Qué espíritu es tan vacío y ciego, que no puede reconocer que el pie es más noble que el zapato, y la piel más bella que el vestido con el que se viste?”- Miguel Ángel[1]
El desnudo, como forma de arte visual que se centra en la figura humana sin ropa, es una tradición perdurable en el arte occidental[2]. Fue una preocupación del arte de la Antigua Grecia y, tras un periodo de semidormición en la Edad Media, volvió a ocupar una posición central con el Renacimiento. Las figuras sin ropa suelen tener también un papel en otros tipos de arte, como la pintura de historia, incluyendo el arte alegórico y religioso, el retrato o las artes decorativas. Desde la prehistoria hasta las primeras civilizaciones, las figuras femeninas desnudas se entienden generalmente como símbolos de fertilidad o bienestar[3].
En la India, el grupo de monumentos de Khajuraho, construidos entre el 950 y el 1050 de la era cristiana, es conocido por sus esculturas eróticas, que representan alrededor del 10% de la decoración de los templos. Los grabados japoneses son una de las pocas tradiciones no occidentales que pueden denominarse desnudos, pero la actividad del baño comunitario en Japón se representa como una actividad social más, sin la importancia que se da a la falta de ropa que existe en Occidente[4] A lo largo de cada época, el desnudo ha reflejado los cambios en las actitudes culturales respecto a la sexualidad, los roles de género y la estructura social.
¿Dónde se encuentra la Afrodita de Knidos?
Cuando se trata de la historia del arte, las primicias son notoriamente difíciles de señalar: puede ser difícil afirmar definitivamente que alguien hizo algo antes que nadie cuando el mundo es tan grande y cuando la expresión visual es tan diversa. Pero Paula Modersohn-Becker se considera una verdadera pionera en algunos aspectos. Se la considera una de las primeras mujeres modernas en crear un autorretrato desnudo y una de las primeras en pintar una imagen de sí misma embarazada. Su biógrafa, Diane Radycki, fue un paso más allá, calificando a la artista como la primera mujer pintora modernista en su totalidad en un libro de 2013.
Se trata de una gran afirmación para una artista que nunca pasó de los 30 años. Nacida en Dresde, Alemania, en 1876, murió en 1907 de una embolia a los 31 años. Sin embargo, en ese corto periodo de tiempo, creó 734 cuadros, algunos de los cuales han entrado en el canon, gracias al trabajo de historiadoras del arte feministas como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Wendy Slatkin. En el transcurso de su breve carrera, se las arregló para sacudir el retrato y predecir eficazmente el curso que tomaría el modernismo en los años posteriores a ella, aunque muchos de los que rodeaban a Modersohn-Becker no supieran lo importante que era. (Durante su vida, tuvo pocos admiradores. Entre los que sí se fijaron en ella estaba el poeta Rainer Maria Rilke).
Función de Afrodita de Knidos
Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert SmithsonPublicidadFotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier23. Louise Bourgeois, Spider, 1996La obra emblemática de la artista francesa, Spider, fue creada a mediados de la década de 1990, cuando Bourgeois (1911-2010) ya tenía más de 80 años. Existe en numerosas versiones de diversa escala, incluidas algunas monumentales. Spider es un homenaje a la madre de la artista, restauradora de tapices (de ahí la alusión a la propensión del arácnido a tejer telas).
Descripción de Afrodita de Knidos
“¿Encuentra una correspondencia perfecta entre la naturaleza del dibujo y la del cuadro? En mi opinión, parecen totalmente diferentes el uno del otro, absolutamente contradictorios. Uno, el dibujo, depende de la plasticidad lineal o escultórica, y el otro, la pintura, depende de la plasticidad del color.” 3 de 6
“Ese recorte de papel, la especie de acanto de voluta que se ve en la pared de arriba, es un caracol estilizado. En primer lugar, dibujé el caracol del natural, sujetándolo entre dos dedos; dibujé y dibujé. Tomé conciencia de un despliegue. Formé en mi mente un signo purificado para un caracol. Luego cogí las tijeras”. 5 de 6
Resumen de Henri MatisseHenri Matisse está ampliamente considerado como el mayor colorista del siglo XX y como rival de Pablo Picasso en la importancia de sus innovaciones. Surgió como postimpresionista y alcanzó la fama como líder del movimiento francés del fauvismo. Aunque se interesó por el cubismo, lo rechazó, y en su lugar trató de utilizar el color como base de cuadros expresivos, decorativos y a menudo monumentales. Como escribió en una ocasión de forma controvertida, buscaba crear un arte que fuera “una influencia tranquilizadora y calmante para la mente, más bien como un buen sillón”. Las naturalezas muertas y los desnudos siguieron siendo sus temas favoritos a lo largo de su carrera; el norte de África también fue una importante fuente de inspiración y, hacia el final de su vida, realizó una importante contribución al collage con una serie de obras que utilizaban formas recortadas de color. También es muy apreciado como escultor. Realizaciones Biografía de Henri MatisseMatisse experimentó meticulosamente con el arte, probando y reintentando ideas diciendo: “Siempre he tratado de ocultar mis esfuerzos y he deseado que mis obras tengan una ligera alegría primaveral que no permita a nadie sospechar el trabajo que me ha costado”.Leer biografía completaLeer legado artístico Arte importante de Henri Matisse
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