Escultura renacentista en italia

San jorge

Las principales características de la escultura italiana del Renacimiento fueron su definición como una de las vías de adquisición de conocimientos y como instrumento de educación ética del público, y su preocupación por integrar la oposición entre el interés por la observación directa de la Naturaleza y los conceptos estéticos idealistas desarrollados por el humanismo. En una época en la que el hombre se situó en el centro del universo , su representación asumió también un papel central, con la consecuencia del florecimiento de los géneros del desnudo artístico y del retrato , que desde el final del Imperio Romano habían caído en el olvido. También se retomó el tema mitológico, se estableció un cuerpo teórico para legitimar y guiar el arte de la época, y se hizo hincapié en la estrecha asociación entre el conocimiento teórico y una rigurosa disciplina de trabajo práctico como herramienta indispensable para la creación de una obra de arte hábil. La escultura del Renacimiento italiano en sus tres primeras fases estuvo dominada por la influencia de la escuela toscana , cuyo foco fue Florencia, entonces el mayor centro cultural italiano y referencia para todo el continente europeo. La última fase fue liderada por Roma , en ese momento inmersa en un proyecto de afirmación de la universalidad de la autoridad del papado como heredero tanto de San Pedro como del Imperio Romano .

David

El término Alto Renacimiento fue utilizado por primera vez por Jacob Burckhardt en alemán (Hochrenaissance) en 1855 y tiene su origen en el “Alto Estilo” de la pintura y la escultura del período de tiempo en torno a principios del siglo XVI descrito por Johann Joachim Winckelmann en 1764[2]. Ampliando la rúbrica general de la cultura renacentista, las artes visuales del Alto Renacimiento se caracterizaron por un renovado énfasis en la tradición clásica, la expansión de las redes de mecenazgo y una atenuación gradual de las formas figurativas en el estilo que más tarde se denominó manierismo.

A diferencia de la mayoría de los historiadores del arte, Manfred Wurdram, en Masterpieces of Western Art, 2007, afirma que el inicio del Alto Renacimiento fue anunciado por la Adoración de los Reyes Magos de Leonardo de 1481, de la que sólo se completó la pintura inferior[11].

En cuanto al final del Alto Renacimiento, Hartt, Frommel, Piper, Wundrum y Winkelman afirman que el Alto Renacimiento terminó en 1520 con la muerte de Rafael. Honour y Fleming afirman que el Alto Renacimiento fue el primer cuarto del siglo XVI, lo que significa que terminó en 1525. Por el contrario, Luigi Lanzi, en su Historia de la pintura italiana, 1795-96, afirmó que terminó con el saqueo de Roma en 1527,[12] cuando varios artistas fueron asesinados y muchos otros se dispersaron de Roma, y Stokstad está de acuerdo. Raunch afirma que 1530 se ha considerado el final del Alto Renacimiento. Hartt añade que de 1520 a 1530 fue un periodo de transición entre el Alto Renacimiento y el Manierismo. Tradicionalmente, se considera que el final del Alto Renacimiento en Florencia está marcado por el fin de la República de Florencia y el comienzo del Ducado de Florencia en 1532.

Escultura renacentista david

Ghiberti era ahora un artesano independiente y, a diferencia de su trabajo en la primera puerta unos veinticuatro años antes, ejerció una considerable libertad en su tratamiento de las puertas del Paraíso. El Gremio de Mercaderes fue el primero en aceptar plenamente este cambio en la relación cliente-artista y eso resultó ser un punto de inflexión importante para el futuro del arte.  Para las puertas del Paraíso, Ghiberti redujo el número de escenas de 28 -en el primer conjunto de puertas- a diez. Estos diez relieves representan figuras del Antiguo Testamento. Empezando por la parte superior izquierda están Adán y Eva, Noé, Isaac, Moisés y David. En la puerta de la derecha están Caín y Abel, Abraham, José, Josué y Salomón. Estos paneles están enmarcados por figuras de los profetas colocadas en una delgada disposición vertical, que se alternan con pequeños bustos y aparecen casi como esculturas tridimensionales.Lee más sobre Ghiberti y la colocación de estas puertas.

La estatua de bronce de Verrocchio de Jesús y el dudoso Santo Tomás (1465-1483) fue realizada para ser colocada en un nicho de Or San Michele. La escultura era radical en su expresión de movimiento y gesto. Jesús está de pie dentro del nicho, con su manto abierto que revela la herida de su costado, su brazo derecho está levantado añadiendo más movimiento a la estatua. El pie derecho de Tomás está colocado fuera de la hornacina, de espaldas a ella, y su cuerpo está colocado con un movimiento de torsión de cara a Jesús en la puerta. Esta colocación, mitad dentro y mitad fuera, rompe con la tradición anterior de las figuras que permanecen formalmente dentro de los límites del nicho y es un poderoso recordatorio del dominio de Verrocchio de

Leonardo da vinci

La salida de la tradición medieval fue aún incierta en los paneles de bronce creados por Lorenzo Ghiberti para la puerta del baptisterio de Florencia (la puerta también se conoce como las Puertas del Paraíso).

Siena y Lucca fueron testigos de la maduración de la poderosa síntesis entre lo antiguo y lo nuevo de Jacopo della Quercia (Fonte Gaia,Tumba de Ilaria del Carretto, la Niña esposa).  Jacopo es considerado un precursor de Miguel Ángel.

La Porta Magna de la iglesia de San Petronio en Bolonia con esculturas de Jacopo della Quercia. El arquitrabe sobre la puerta contiene cinco relieves con representaciones del Nuevo Testamento. El luneto contiene tres estatuas exentas: La Virgen con el Niño, San Petronio (con una maqueta de Bolonia en la mano derecha) y San Ambrosio (tallado por otro escultor, Domenico Aimo, en 1510).

Jacopo della Quercia toma su nombre de Quercia Grossa (actualmente Quercegrossa), un lugar cercano a Siena, donde nació en 1374. Recibió su primera formación de su padre, Piero d’Angelo, escultor de madera y orfebre. En Lucca, en 1406, recibió el encargo del gobernante de la ciudad, Paolo Guinigi, de comenzar a trabajar en la tumba de su segunda esposa, Ilaria del Carretto, en la catedral de Lucca. La mujer, ricamente vestida, descansa sobre el sarcófago, delicadamente retratado a la manera gótica, con su perro, símbolo de la fidelidad conyugal, a sus pies.

Museo estatal