▷ Escultura y arquitectura del siglo xix

la carrera de albert-ern-be

Los estilos más comunes de este periodo de mediados del siglo XIX son el renacimiento griego, el renacimiento gótico y el italianizante. El estilo Greek Revival (1820-1860) forma parte definitivamente de este periodo, pero como tiene sus raíces en el estilo Early Classical Revival, se detalla en el Early Federal Period. El estilo gótico y el italianizante se promovieron a través de influyentes libros de patrones como el Cottage Residences del arquitecto Andrew Jackson Downing, publicado en 1842. Los diseños románticos presentados en la publicación y en otras se reprodujeron de forma exacta y derivada en todo el país. El estilo gótico se inspiró en las formas medievales y el estilo italianizante se derivó de las tradiciones constructivas del Renacimiento italiano.

Esta es una versión estática y archivada de la página web de la Guía de Campo de Arquitectura de Pensilvania del PHMC que no se actualizará. Es una instantánea del sitio web con pequeñas modificaciones tal y como apareció el 26 de agosto de 2015.

venus de milo

Desde Bélgica y Francia, se extendió al resto de Europa, adoptando nombres y características diferentes en cada país (véase la sección de nombres más adelante). A menudo apareció no sólo en las capitales, sino también en ciudades de rápido crecimiento que querían establecer identidades artísticas (Turín y Palermo en Italia; Glasgow en Escocia; Múnich y Darmstadt en Alemania), así como en centros de movimientos independentistas (Helsinki en Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso; Barcelona en Cataluña, España).

En 1914, y con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau estaba prácticamente agotado. En la década de 1920, fue sustituido como estilo artístico arquitectónico y decorativo dominante por el Art Deco y, posteriormente, por el Modernismo[7] El estilo Art Nouveau comenzó a recibir una atención más positiva por parte de la crítica a finales de la década de 1960, con una importante exposición de la obra de Hector Guimard en el Museo de Arte Moderno en 1970[8].

El Art Nouveau está relacionado, aunque no es idéntico, con los estilos que surgieron en muchos países de Europa más o menos en la misma época. Sus nombres locales se utilizaron a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

cronología de la escultura del siglo xix

Este artículo revisa la idea de la centralidad del toque del artista en la escultura del siglo XIX, examinando cómo los cambios ideológicos y los avances tecnológicos imprimieron conjuntamente al toque del escultor una importancia sin precedentes. La búsqueda del toque del escultor se intensificó con la percepción de que la escultura se estaba divorciando de las manos de los escultores, sobre todo porque parecía más inherentemente reproducible que su arte hermano en virtud de su capacidad de ser refundida. Del mismo modo, el deseo de preservar el toque ostensiblemente auténtico del escultor persistió en paralelo, o como respuesta, al desarrollo de una serie de máquinas que amenazaban con erradicar el toque humano de lo que durante mucho tiempo se había caracterizado como un arte mecánico. La experiencia decimonónica de la escultura estuvo ciertamente mediatizada por el deseo de acercarse “mucho más al tacto real del artista”, como lo calificó Edmund Gosse, y este artículo analiza cómo y por qué fue así.

En 1864, la escultora Harriet Hosmer publicó un artículo en el Atlantic Monthly titulado “El proceso de la escultura”. El objetivo expreso de Hosmer era “corregir la falsa pero muy generalizada impresión de que el artista, partiendo del bloque en bruto y guiándose únicamente por su imaginación, esculpe su estatua con sus propias manos”.1 Este artículo revisa la idea de Hosmer sobre la centralidad del toque del artista en la escultura del siglo XIX, examinando cómo los cambios ideológicos y los avances tecnológicos imprimieron conjuntamente al toque del escultor una importancia sin precedentes. La búsqueda del toque del escultor se intensificó con la percepción de que la escultura se estaba divorciando de las manos de los escultores, sobre todo porque parecía más inherentemente reproducible que su arte hermano en virtud de su capacidad de ser refundida. Del mismo modo, el deseo de preservar el toque ostensiblemente auténtico del escultor persistió en paralelo, o como respuesta, al desarrollo de una serie de máquinas que amenazaban con erradicar el toque humano de lo que durante mucho tiempo se había caracterizado como un arte mecánico. La experiencia decimonónica de la escultura estaba ciertamente mediatizada por

edificios de arquitectura del siglo xix

El modernismo fue un movimiento cultural que se extendió por Europa en los siglos XIX y XX. Es difícil de definir, pero en general se considera un movimiento de cambio. El mundo totalmente industrializado de la época afectó especialmente a los modos de vida y las formas artísticas tradicionales. La gente empezó a buscar nuevas posibilidades de creaciones y actividades más innovadoras.

Un precursor clave en el cambio de la pintura fue la invención de la cámara fotográfica. La imagen fotográfica sustituyó la función del cuadro, obligando al pintor a hacer algo más que registrar la persona o el acontecimiento tal y como lo veía.

Movimiento artístico del siglo XIX que rechazaba el realismo y el impresionismo y su representación del mundo visual y concreto. Los simbolistas buscaban expresar ideas místicas y espirituales a través del color y la línea. Utilizaban estos elementos para expresar emociones y pensamientos que iban más allá de las descripciones literales.

El surrealismo puede entenderse como el arte de la imaginación y los sueños. Los surrealistas querían crear un arte basado en su pensamiento subconsciente o que lo utilizara. Se inspiraron mucho en los escritos filosóficos de Sigmund Freud, (La interpretación de los sueños, 1900).