La figura humana en la pintura y escultura
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Presentación sobre el tema: “LA FIGURA HUMANA EN LA HISTORIA DEL ARTE”. La figura en el arte cambia a medida que progresan las necesidades humanas y la expresión artística. Las primeras imágenes de la figura sólo servían para comunicar” – Transcripción de la presentación:
La figura en el arte cambia a medida que progresan las necesidades humanas y la expresión artística. Las primeras imágenes de figuras sólo servían para la comunicación y los fines religiosos. Más tarde, los retratos captaron imágenes de los vivos. Tras la invención de la cámara fotográfica, el arte de la figura se volvió altamente creativo y expresivo.
A lo largo de la historia, las figuras se representan en forma de dibujos, pinturas y esculturas. La escultura alcanzó una apariencia realista antes que los dibujos y las pinturas de figuras. Sin embargo, el dibujo y la pintura utilizaron estilos artísticos modernos para ilustrar la figura antes que la escultura.
FIGURAS ANTIGUAS GRIEGAS Y ROMANAS Las figuras se utilizaban a menudo en la narrativa, especialmente en la mitología. Los dibujos seguían teniendo un aspecto plano, pero las esculturas eran muy realistas. Las esculturas de figuras mostraban la pose clásica y los paños de aspecto realista.
FIGURAS DEL RENACIMIENTO Con el descubrimiento de la perspectiva, las figuras tenían una forma más realista. Las figuras continuaron en las representaciones religiosas, pero también se hicieron populares como retratos del clero y de los mecenas adinerados. Las proporciones fueron anotadas por Da Vinci
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A lo largo de la historia, el ser humano se ha sentido fascinado por la forma humana y ha mostrado este interés a través del arte. Casi todos los artistas, desde Pablo Picasso hasta Miguel Ángel, han explorado la complejidad y la belleza de la figura humana, pero ¿cómo ha cambiado esto a lo largo del tiempo y por qué nos fascina tanto el cuerpo?
El retrato siguió siendo popular a lo largo de los siglos, ya que los ricos encargaban su imagen para inmortalizarla en un lienzo. Esto se convirtió en pinturas que podían contar la historia de un individuo o grupo y sigue evolucionando y cambiando desde el romanticismo de los siglos XVIII y XIX hasta el expresionismo y el surrealismo del siglo XX.
La invención de la cámara fotográfica tuvo un enorme efecto en la forma en que los artistas abordaban sus figuras. Les dio la libertad de representar la forma humana en situaciones cotidianas, algo que no era posible cuando los sujetos debían modelar para el artista para crear un retrato realista.
Muchos artistas han logrado el objetivo de crear piezas muy emotivas sólo con la representación de la forma humana. Todo, desde la pose hasta los colores y la forma, puede evocar en el espectador toda una serie de emociones que pueden ser más difíciles de crear en las pinturas de bodegones, por ejemplo.
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La figura humana siempre ha sido el tema favorito de los artistas. Desde la antigüedad, los pintores y escultores han retratado a las personas más importantes de sus sociedades: reyes y reinas, héroes, deidades, extranjeros, santos, artistas, la gente común, etc.
Para los artistas, representar la figura humana significa algo más que reproducir simplemente el parecido de una persona. Un retrato o una escultura también pueden captar y expresar la visión especial del artista sobre el sujeto. Este tipo de arte puede hacernos sentir simpatía, diversión, identificación, lástima o incluso adoración.
En esta conferencia, estudiaremos no sólo el tratamiento del cuerpo humano a lo largo de la historia, sino también las motivaciones y los factores psicológicos que intervienen en la representación de un sujeto humano. También aprenderá por qué el cuerpo del artista desempeña un papel tan importante en el mundo del arte contemporáneo.
¿Se ha preguntado alguna vez por qué los egipcios embalsamaban y momificaban los cadáveres? Los egipcios creían que el cuerpo de una persona debía conservarse después de la muerte, si su alma iba a vivir en el más allá. Por eso embalsamaban a sus reyes muertos, envolviéndolos en capas de tela y colocando la momia en una serie de ataúdes dentro de otros ataúdes. (El proceso era como el de la muñeca rusa matrioska, en el que el muñeco de madera más pequeño va dentro de otro más grande, y así sucesivamente).
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El cuerpo humano ha sido una fuente de fascinación permanente para los artistas a lo largo del tiempo, la geografía y las culturas. Muchos de los primeros artefactos que se conservan y que ahora se clasifican como “arte” representan la forma humana, o dan testimonio de su presencia, y los artistas han seguido tratando el tema hasta el postmodernismo y más allá. El poder de la imagen humana es tal que su representación en el arte ha escandalizado a los espectadores, e incluso ha sido prohibida a lo largo de la historia, mientras que la sociedad sigue debatiendo qué imagen debe ser conmemorada en el arte, y cómo. Aquí hacemos un recorrido por el cuerpo humano en el arte.
Aunque algunas de las primeras pinturas descubiertas por los arqueólogos representan animales como el bisonte, muchas están formadas por simples plantillas a mano que utilizan la forma humana y la capturan para la posteridad, como la pintura rupestre más antigua que se conoce actualmente en la cueva de Maltravieso (España), que se cree que tiene más de 64.000 años. Miles de años más tarde, la estatuilla de Ain Sakhri, creada hace 11.000 años en Israel, representaba los cuerpos entrelazados de amantes abrazados, mientras que de la antigua Chipre se conservan varias estatuillas humanas muy estilizadas, producidas en torno al 3900-2550 a.C.
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