Teatro comercial anterior a 1936

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Durante días, los residentes de Harlem que paseaban por cualquier lugar entre la avenida Lexington y Broadway, desde la calle 125 hasta la 140, habían visto la palabra “MACBETH” marcada con pintura brillante en cada esquina. La comunidad afroamericana de Nueva York llevaba meses hablando de la nueva producción de la Unidad de Negros del Proyecto Federal de Teatro con un orgullo y una ansiedad mezclados, y para la noche del estreno, el 14 de abril de 1936, la expectación había alcanzado un punto álgido. A las 6:30 p.m., 10.000 personas se acercaron al Teatro Lafayette en la Séptima Avenida, cerca de la calle 131, atascando la avenida a lo largo de 10 manzanas y deteniendo el tráfico en dirección norte durante más de una hora.

Los focos barrían a la multitud mientras los policías montados se esforzaban por mantener abierta la entrada al teatro para los poseedores de entradas que llegaban, un grupo integrado de “Harlemitas en armiño, orquídeas y gardenias, Broadwayites en mufti”, como señaló el New York World-Telegram al día siguiente. Cada uno de los 1.223 asientos del Lafayette estaba ocupado; los revendedores obtenían 3 dólares por un par de entradas de 40 céntimos. El vestíbulo estaba tan lleno que la gente no podía llegar a sus asientos; el telón, anunciado para las 8:45, no se levantó hasta las 9:30. Cuando por fin se levantó, en una escena de la selva con brujas y tambores vudú, el ambiente frenético fuera del teatro era igual al que había dentro.

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El teatro del siglo XX describe un periodo de grandes cambios dentro de la cultura teatral del siglo XX, principalmente en Europa y Norteamérica. Se produjo un desafío generalizado a las normas establecidas desde hacía tiempo en torno a la representación teatral, lo que dio lugar al desarrollo de muchas formas nuevas de teatro, como el modernismo, el expresionismo, el impresionismo, el teatro político y otras formas de teatro experimental, así como al desarrollo continuo de formas teatrales ya establecidas como el naturalismo y el realismo.

A lo largo del siglo, la reputación artística del teatro mejoró después de haber sido ridiculizada durante todo el siglo XIX. Sin embargo, el crecimiento de otros medios de comunicación, especialmente el cine, ha provocado una disminución de su papel dentro de la cultura en general. Ante este cambio, los artistas teatrales se han visto obligados a buscar nuevas formas de relacionarse con la sociedad. Las diversas respuestas ofrecidas en respuesta a esto han impulsado las transformaciones que conforman su historia moderna[1].

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Los primeros edificios utilizados para representaciones teatrales en Gran Bretaña fueron los anfiteatros introducidos por los romanos, que copiaron los teatros de la antigua Grecia. Eran estructuras semicirculares, construidas inicialmente en madera y posteriormente en piedra. Estaban abiertos al aire, con asientos en bancos que rodeaban un escenario elevado.

El teatro medieval se representaba en elaborados escenarios temporales dentro de grandes salones, graneros o en los patios abiertos de las posadas con galerías. De ahí surgieron los teatros isabelinos al aire libre con estructura de madera, como el Globe de Londres. A menudo eran edificios de varias caras, con una plataforma cubierta en uno de los lados. El público se sentaba o permanecía de pie en galerías cubiertas alrededor de los otros lados o en el patio abierto. Todas las representaciones tenían lugar a la luz del día.Shakespeare’s Globe en Londres, una reconstrucción de un teatro isabelino

El interés por el teatro aumentó durante el periodo Estuardo. Muchos cortesanos y aristócratas ricos acogían en sus casas producciones teatrales itinerantes. Las máscaras también eran una forma popular de recreación para la corte real y los más ricos, a menudo encargadas para celebraciones. Incluían música, danza y elaborados trajes y decorados. El arquitecto Inigo Jones diseñó los decorados de varias mascaradas reales y más tarde se dedicó a diseñar edificios teatrales. Había viajado por Italia y Francia y estaba muy influenciado por sus diseños. También se le atribuye la introducción del primer arco de proscenio, un marco arquitectónico decorativo sobre el escenario.

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El reciente crecimiento de lo que se ha dado en llamar teatro regional denota no sólo una redistribución geográfica de la actividad teatral en Estados Unidos. También marca un cambio significativo en el carácter del esfuerzo general del teatro estadounidense. El teatro regional es, en general, no comercial, mientras que el teatro de Broadway -que fue el teatro de Estados Unidos- “funciona principalmente como una empresa con fines de lucro”. Por lo tanto, la extensión de la actividad teatral a otras partes del país amplía las oportunidades de originalidad y experimentación en la puesta en escena de obras en vivo. El teatro regional es importante en otro sentido: quiere cultivar nuevos dramaturgos, nuevos actores y nuevos directores. Tal vez su mayor logro sea ampliar el público estadounidense para el buen teatro y para las nuevas formas de expresión teatral que se apartan de la tradición de la obra bien hecha y del musical estandarizado.

El teatro regional no es necesariamente un teatro fuera de lo común; gran parte de él se dedica a presentar la literatura establecida del arte -los escenarios de Shakespeare, Chéjov y Shaw son básicos- y las reposiciones de espectáculos pasados de Broadway. Pero está mucho más abierto a la influencia de la vanguardia que el teatro comercial, y funciona en un contexto diferente al del “mundo del espectáculo”. Los que creen en el futuro del teatro regional esperan que devuelva al teatro vivo el lugar vital que ocupaba en la vida del pueblo estadounidense en los años anteriores a la televisión y al cine. Algunos esperan que el “nuevo teatro”, a medida que se desarrolle en un ambiente no comercial, se convierta en una parte tan integral de la vida del pueblo como lo fue el teatro de Grecia en los tiempos clásicos.

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