Escultura realista siglo xix
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Resumen del realismo
El movimiento realista en el arte francés floreció desde aproximadamente 1840 hasta finales del siglo XIX, y pretendía transmitir una visión veraz y objetiva de la vida contemporánea. El realismo surgió tras la Revolución de 1848, que derrocó a la monarquía de Luis Felipe, y se desarrolló durante el periodo del Segundo Imperio, bajo el mandato de Napoleón III. Mientras la sociedad francesa luchaba por una reforma democrática, los realistas democratizaron el arte representando temas modernos extraídos de la vida cotidiana de la clase trabajadora. Rechazando el clasicismo idealizado del arte académico y los temas exóticos del Romanticismo, el Realismo se basó en la observación directa del mundo moderno. En consonancia con la afirmación de Gustave Courbet en 1861 de que “la pintura es un arte esencialmente concreto y sólo puede consistir en la representación de cosas reales y existentes”, los realistas registraron con detalle, a menudo descarnado, la existencia actual de la gente humilde, en paralelo a las tendencias relacionadas con la literatura naturalista de Émile Zola, Honoré de Balzac y Gustave Flaubert. La elevación de la clase obrera al ámbito del arte y la literatura de alto nivel coincidió con las filosofías socialistas de Pierre Proudhon y el Manifiesto Comunista de Karl Marx, publicado en 1848, que instaba a un levantamiento proletario.
Artistas del realismo francés
El carruaje de tercera clase (1863-4) Metropolitan Museum of Art, Nueva York. De Honore Daumier. Un cuadro emblemático del movimiento realista. EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL Para un esquema cronológico, véase: Cronología de la Historia del Arte. Para una guía rápida de estilos específicos, véase: Movimientos artísticos.
Pintura realista (siglo XIX) Contenidos Resumen de las principales características Historia del movimiento artístico realista Influencia de la ciencia y su espíritu de objetividad Primera pintura realista (1830-1848) Barbizon: La pintura de paisaje naturalista La pintura de género El realismo propiamente dicho Courbet y el clímax de la pintura realista La fase académica del realismo después de 1860 Camille Corot y sus seguidores Influencia del realismo en Francia Influencia del realismo en toda Europa El realismo anecdótico en Alemania y Rusia El realismo en Australia Para una guía general de la evolución de la pintura, la escultura y otras formas de arte, véase: Historia del Arte (2,5 millones de años a.C. – actualidad).
Detalle extraído de: Los rompepiedras (1849) (hoy perdido) de Gustave Courbet, impulsor de la pintura realista francesa de mediados del siglo XIX. Hombre con una azada (1860) Museo Getty, Los Ángeles. De Jean-Francois Millet, el pintor de los campesinos franceses y su vida laboral.
Arte del realismo
En el arte, el realismo es la representación de la naturaleza en todo su detalle y sencillez, sin adornos. Rechaza la idealización imaginativa y hace hincapié en la observación de las apariencias externas por encima de la imaginación. En este sentido, el realismo como movimiento cultural se ha asociado a muchas corrientes artísticas a lo largo de la historia.
El término “realismo”, a veces denominado “naturalismo”, en las artes se refiere al método de representar la materia con la mayor veracidad posible, sin elementos artificiales y de forma que se evite la ficción especulativa.
Desde el punto de vista realista, el realismo se refiere a un estilo de arte popular a mediados del siglo XIX que representaba la vida cotidiana de forma auténtica. Sin embargo, el término también se utiliza generalmente para describir obras de arte pintadas de forma casi fotográfica.
El movimiento impresionista se desarrolló en Francia en el siglo XIX, liderado principalmente por Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro y Alfred Sisley, que utilizaban pinceladas finas y pequeñas para mostrar los detalles de la escena de forma objetiva y precisa.
Historia del arte del realismo
La historia de la escultura de los siglos XVIII y XIX es un área enorme que abarca varios países y una multitud de técnicas y procesos que a veces resultan difíciles de abordar para los profesores, sobre todo si la escultura no es de su competencia. En este plan de clases, he seleccionado los escultores más destacados y más discutidos, y he intentado elegir al menos un ejemplo escultórico de cada uno de los principales estilos de los siglos en cuestión (Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Simbolismo). Las obras también pueden presentarse mediante un enfoque temático, ya que las selecciones pueden utilizarse para intentar temas como la clase social; la política; el poder frente al sometimiento; la esclavitud; las imágenes del cuerpo; la desnudez; y la dominación del campo masculino en el ámbito de la escultura.
Una forma de abrir el debate antes de comenzar la conferencia podría ser preguntar a los alumnos qué saben ya sobre la escultura. Si han estudiado el arte antiguo, podrían recordar términos como contrapposto; método de fundición a la cera perdida; policromía; relieve; escultura en redondo; talla frente a fundición; e idealismo frente a realismo (r minúscula, como en “realista”). Otra posibilidad sería pedir a los alumnos que comparen y contrasten dos esculturas, incluyendo una que ya conozcan de su estudio del mundo antiguo (por ejemplo, Augusto de Prima Porta) con una de las esculturas neoclásicas de esta lección (por ejemplo, el Jorge Washington de Houdon). Otras comparaciones para iniciar una conversación podrían ser, por ejemplo, comparar Hermes con el niño Dionysos de Praxiteles con La intoxicación del vino de Clodion; La pareja etrusca reclinada sobre un sarcófago de Cerveteri con Paulina Borghese como Venus Victrix de Canova; o, más adelante en la lección, dos obras estrechamente contemporáneas como La esclava griega de Powers con Zenobia encadenada de Hosmer. Al final de este documento he sugerido otros temas de debate.
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