Escultura del siglo xv
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Ejemplos de escultura renacentista
Ghiberti era ahora un artesano independiente y, a diferencia de su trabajo en la primera puerta unos veinticuatro años antes, ejerció una considerable libertad en su tratamiento de las puertas del Paraíso. El Gremio de Mercaderes fue el primero en aceptar plenamente este cambio en la relación cliente-artista y eso resultó ser un punto de inflexión importante para el futuro del arte. Para las puertas del Paraíso, Ghiberti redujo el número de escenas de 28 -en el primer conjunto de puertas- a diez. Estos diez relieves representan figuras del Antiguo Testamento. Empezando por la parte superior izquierda están Adán y Eva, Noé, Isaac, Moisés y David. En la puerta de la derecha están Caín y Abel, Abraham, José, Josué y Salomón. Estos paneles están enmarcados por figuras de los profetas colocadas en una delgada disposición vertical, que se alternan con pequeños bustos y aparecen casi como esculturas tridimensionales.Lee más sobre Ghiberti y la colocación de estas puertas.
La estatua de bronce de Verrocchio de Jesús y el dudoso Santo Tomás (1465-1483) fue realizada para ser colocada en un nicho de Or San Michele. La escultura era radical en su expresión de movimiento y gesto. Jesús está de pie dentro del nicho, con su manto abierto que revela la herida de su costado; su brazo derecho está levantado, lo que añade más movimiento a la estatua. El pie derecho de Tomás está colocado fuera de la hornacina, de espaldas a ella, y su cuerpo está colocado con un movimiento de torsión de cara a Jesús en la puerta. Esta colocación, mitad dentro y mitad fuera, rompe con la tradición anterior de las figuras que se sitúan formalmente dentro de los límites del nicho y es un poderoso recordatorio del dominio que Verrocchio tiene del cuerpo humano.
La escultura florentina
La Italia del siglo XV fue testigo de grandes innovaciones en el arte de la escultura. Los escultores redescubrieron nuevos tipos de imágenes de la antigüedad clásica e inventaron otras nuevas, idearon nuevas formas de acabar las superficies y llevaron los límites de sus materiales a nuevos extremos expresivos. El arte de la escultura en la Italia del siglo XV estudia la producción escultórica creada por una serie de artistas en toda la península. Ofrece una visión global de la escultura italiana durante un siglo de intensa creatividad y desarrollo. Aquí, diecinueve historiadores de la escultura italiana del Quattrocento trazan las numerosas fuerzas que compiten entre sí y que llevaron a los creadores, a los mecenas y a los espectadores a dar a la escultura una importancia tan grande en esta época y en este lugar. Metodológicamente amplios, los ensayos, encargados especialmente para este volumen, exploran la amplia gama de técnicas y medios (piedra, metal, madera, terracota y estuco) utilizados para crear obras de escultura. También examinan el modo en que los espectadores se encontraban con esos objetos, analizan los distintos enfoques narrativos y reflexionan sobre el creciente interés contemporáneo por la relación entre la escultura y la historia.
Escultores del siglo xv
San Sebastián (1526-32) Talla de madera policromada Museo Nacional de Tallas Religiosas, Valladolid. Del escultor, pintor y arquitecto español Alonso Berruguete. MEJORES OBRAS DE ESCULTURA Ver: Las mejores esculturas de la historia. MEJORES ESCULTURAS Ver: Los mejores escultores. ESCULTURA EN LA EDAD MEDIA Escultura medieval (c.400-1000) De la Antigüedad tardía al románico Escultura románica (1000-1200) Arquitectura/escultura de arco redondo
FORMAS DE ESCULTURA Para otro tipo de talla en 3D, véase: Escultura en mármol Mármol Pentélico, Carrara, mármoles Parianos. RENACIMIENTO EN EL NORTE DE EUROPA Para una introducción a la pintura al óleo flamenca y holandesa, véase: Arte renacentista neerlandés. Para la pintura y la talla en madera en Alemania (1430-1580), véase: Arte renacentista alemán.
Nota sobre la apreciación de la escultura Para aprender a valorar a los escultores del Renacimiento temprano y alto, véase: Cómo apreciar la escultura. Para las obras posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna.
A la Primera Escuela de Fontainebleau, patrocinada por el rey Francisco I (que gobernó entre 1515 y 47) y dirigida por Francesco Primaticcio, le siguió en la década de 1690 la Segunda Escuela de Fontainebleau, menos importante, apoyada por el rey Enrique IV (1589-1610) y dirigida por artistas como Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) y Martin Freminet (1567-1619).
Escultura renacentista wikipedia
La escultura italiana del siglo XV, especialmente en la Toscana, se apartó del estilo elegante y decorativo del periodo gótico anterior para reflejar una mayor admiración y comprensión de la fuerza y la estructura del cuerpo humano. En este sentido, los artistas del Renacimiento emularon los ideales de los antiguos griegos y romanos, incluso cuando representaban temas contemporáneos o cristianos.
El interés por el cuerpo humano en movimiento se aprecia en las figuras de cuerpo entero de la Virgen con el Niño de Florencia, de alrededor de 1425, y en el San Sebastián de Matteo Civitali, de alrededor de 1492. En ambas obras, las figuras adoptan la clásica postura de cambio de peso de la escultura antigua (contrapposto), en la que el cuerpo se apoya en una pierna mientras la otra permanece relajada, alineándose las caderas y los hombros en consecuencia.
En esta época, la escultura no se creaba principalmente para los coleccionistas, sino que servía para diversos fines en la vida cotidiana. La escultura de esta galería es en gran parte de temática religiosa. Las obras de gran tamaño, como la Caridad y la Fe de Mino da Fiesole, se realizaban a menudo para las iglesias, donde formaban parte de la decoración de los altares o de las tumbas. Las obras de menor tamaño, como la Virgen de la Humildad de Jacopo della Quercia, pueden haber sido realizadas para la devoción privada en casas o conventos. De acuerdo con el gusto popular, los escultores solían pintar sus obras en varios colores (policromía) para conseguir un efecto naturalista, o aplicaban el dorado para realzar su preciosidad o inmanencia espiritual.
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